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Cómo Ansel Adams trataba el negativo como una partitura fija y la copia como una interpretación, reservando y quemando para materializar una escala tonal visualizada.
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Cómo los pequeños negativos cuadrados de Kenna, exposiciones de segundos a horas y vastos campos vacíos reducen el paisaje a unas pocas marcas tonales esenciales.
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Cómo Salgado construyó un rango tonal heroico a partir de luz suave, y luego imprimió capturas digitales como gelatinobromuro de plata mediante negativos LVT para la serie Genesis.
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Cómo Bill Brandt sacrificó la fidelidad tonal en favor de negros rotundos, blancos quemados y la pronunciada distorsión de una cámara policial de gran angular.
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Cómo Strand cambió el pictorialismo suave por el encuadre geométrico, frontal y nítido, y lo que sus vallas, sombras y máquinas le enseñaron a la visión moderna en blanco y negro.
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Cómo Henri Cartier-Bresson fusionó el instante con la geometría interna, componiendo el fotograma completo de 35mm en el visor e imprimiendo sin recorte, con la Leica como herramienta discreta.
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Cómo Edward Weston utilizó una apertura pequeña, luz rasante y copias por contacto para abstraer un pimiento en pura forma, y qué enseña esa disciplina.
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Cómo el trabajo de Dorothea Lange para la FSA durante la Gran Depresión empleó una tonalidad contenida y la cercanía física, y por qué el monocromo sostuvo el peso documental.